Anne Duden: Übergang

Übergang meint nicht: Fußgänger-Überweg, keine Passage, auch keine Brücke über den Jordan. ‘Übergang’ in der Titelgeschichte des gleichnamigen Prosa-Sammelbandes der Anne Duden meint – lapidar wie er dasteht: ohne Artikel , Adjektiv, ohne Plural – “ein richtungsloses Übergehen in andere Zustände”, wie es im Waschzettel des Rotbuchverlages heißt.

Etwas ist geschehen, ein Vorfall, eine Begebenheit. Das Geschehnis ging plötzlich vonstatten, ohne Grund, ohne Vorzeichen. Der Vorfall war ein Überfall, der wegen seiner Gewalttätigkeit für die Boulevard-Presse eine reißerische Titelgeschichte abgegeben hätte.

Im vorliegenden Band von Anne Duden wird das Geschehene literarisch zu einer Geschichte verarbeitet mit dem vielsagenden Titel Übergang. Die Komposition des 144 Seiten-Bandes ist symmetrisch, von der Mitte zu den Rändern hin, vorwärts und rückwärts lesbar.
Im Zentrum also die Titelgeschichte. Gleichsam Brücke zwischen Vor- und Nachgeschichten, die allesamt das Hauptgeschehen stützen, indem sie immer wieder von dort ausgehen, dorthin zurückkehren. Die Anordnung der einzelnen Kurzgeschichten, Liebesgeschichten, Bildbeschreibungen und Ich-Erzählungen, wie sie da heißen Das Landhaus, Der Auftrag der Liebe, On Holiday, ist so angelegt, daß die längste Geschichte, Übergang, im Zentrum dazu geeignet ist, den Dualismus aufzubrechen, den Mechanismus von Ursache und Wirkung, davor/danach, Sinn und Zweck. Im Übergang kommt zur Deckung, was Anlaß der Rede ist und Schrift zur Folge hat: der Übergang vom Geschehen zur Geschichte.

Jemandem, der Autorin und Ich-Erzählerin, ist etwas zugestoßen, ein Unfall. Was da blindwütig zuschlug, war purer Zufall. Es hätte jede treffen können. Ohne Vorwarnung, ein Schock. Und dieses Mißgeschick wird zur leidvollen Schickung, zum Schicksal. Das Geschehene wollte gebannt, in Worte gefaßt werden, hatte es doch ein ganzes Leben markiert und gezeichnet. Am Anfang der Erzählung steht ein Bericht über den Ablauf des Geschehens, trocken und sachlich, eine vorschriftsmäßige Schilderung, wie sie etwa vor Gericht vorgetragen werden könnte. Doch was da nüchtern geschildert wird, bringt etwas Ungeheuerliches hervor, ein Schauder durchfährt einen. Die Ereignisse treffen wie der Blitz. Der Versuch einer Rekonstruktion dessen, “wie es gewesen ist”, hat etwas Unvollständiges, wenn nicht Vergebliches: Der Deformationsfaktor ist aus dem Ereignis nicht zu ermitteln.

Die Folge des Ereignisses, eine lange Krankengeschichte, während derer der zermalmtet Kiefer wochenlang geschient und geknebelt zum Gefängnis wird: kein Platz für einen Schrei. Dem Schrei des Schmerzes fehlt das Organ, ohne Mund kein Schrei der Verzweiflung. Im Übergang von der Krankheit zur Genesung werden die Spuren der Verletzung zunehmend unkörperlicher und, körperlich wiederhergestellt, bleibt die Seele voller Narben zurück. Was da im Zustand der Sprachlosigkeit in sich hineingefressen wurde, ein Zustand, wie er für Jungmädchen-Biographien allgemein gilt und in dieser  Geschichte als Traumprotokoll, Erinnerungsfetzen und Tagebuchnotiz parallel eingeführt wird, wird hier im Zustand der Schrift als Kotzbrocken Stück für Stück wieder herausgewürgt.

Diese losgelöste Schreibe, Erstlingswerk einer Vierzigjährigen, wird gerade da am stärksten, wo sie im Außen keinen Halt findet. Der zähe Versuch, sich an die Ordnung der Dinge zu halten, gleitet immer wieder ab in Einbildungen, Delirien. Die klaren Konturen alltäglicher Begebenheiten im Bus, in der Wohnung, im Restaurant, sie lösen sich auf, schleimige Schlieren-Bilder tauchen empor. Das Cover des Bandes, eine Zeichnung van Goghs am Rande des Wahnsinns, setzt ein Zeichen für diese Sicht.

Doch will mir scheinen, ist es ein zu eindeutiges Zeichen. Denn diese Horror-Visionen inmitten aller Harmlosigkeit, diese schleichenden Übergänge und Verschiebungen zwischen der Instanz des Realen und der des Imaginären sollten nicht bloß Objekt psychologischer Forschung sein; sie könnten als “richtungsloses Übergehen in andere Zustände” gelesen werden, als produktives Werden, Literatur in statu nascendi.

Eva Gagel: Leserbrief 14.3.83

Liebe Eva,

ich habe Dein Selbstinterview (das AutorInnen-Iinterview solltest Du später einmal machen) in der taz gelesen. Es war für mich mutig, klug, erfahrungsträchtig. Über die Entfernungen hinweg nimm dies als meinen “Leserbrief”:

Mir scheint, es ist nicht der Abgrund zwischen Denken und Fühlen, worin Du Dich verstiegen hast, vielmehr hast Du Aussehen mit Aussicht verwechselt. Du hast versucht, mit Deinem Spiegelbild, so wie Dich die anderen sehen, identisch zu werden. Was aber in Dir steckt, das sieht man Dir nicht an. Was in einem steckt, ist ohnehin nur potentiell. Jedes Stück, das Du davon nach außen arbeitest, ist ein Fragment, erste Annäherung an das, was man nach dem Tode Werk nennt, diesen Haufen erbrochener Teile! Nur Mut. Deine künstlerische Arbeit könnte das Thema “Rausarbeiten” tragen; Berufsbilder, Berufsbezeichnungen sind dabei ohne Belang. Welche Manifestationen, welche Formen und Gestalten das Thema annimmt, dem dürfte Deine Sorge schon gelten und Deine Fragen sich widmen.

Auf die Frage: “Was Du denn machst?”, könnte die Antwort “Künstlerin” Dir gut stehen. Sie läßt Dir den größten Spielraum (nicht nur den zwischen Geistesblitz und Solarplexus). Die Frage, womit Du Dein Geld verdienst, wird anderswo entschieden. Auch ich habe den Stein der Weisen nicht gefunden.
Jedes Stück Arbeit, das nach aussen geht, begreife ich als schrittweise Annäherung, als partielle Antwort einer Frage, die sich niemals stellt oder die wir nur im Nachhinein aus dem Geschehenen und Gemachten versuchen herauszulesen. Es gibt nichts Ursprüngliches, immer nur Wirkungen.
Nochmal: Das, was Du bist, das sieht man Dir nicht an. Das, was Du aus Dir machst, das wirst Du sein. Ein Werden also, das, wenn die Sterne günstig stehen, vor dem Tod nicht haltmacht und mit dem Tod nicht endet.
Es wäre mir lieb, wenn Du von dem Gesagten meinen deutschen Ernst und philosophischen Tiefgang abziehen könntest. Auch ich möchte gern luftig leicht und lachend sagen können, was ich zu sagen habe. Es gelingt mir bislang nur selten, das Handwerk muß noch besser erlernt, die Waffen noch besser geschmiedet werden, damit die technê, List und Erfindungsgabe, das Medium der Kunst, voll zum Tragen kommt.

Gruß, Heidi

ein Jahr früher (1982) Korrespondenz, freundlicherweise zur Verfügung gestellt von Eva Gagel im Herbst 2011:

Ingeborg Lüscher: Die Angst des Ikarus

oder Hülsenfrüchte sind Schmetterlingsblütler

In Zeiten der Desorientierung dient die Reise als Strategie der Verschiebung …   Paul Virilio

Außen wie innen, wechselnde Stationen, wechselnde Zustände, aneinandergereiht, Haltung auf Haltung folgend, in einer Bildersequenz, die durch den Schleier des Vergessens, leuchtende Farbzonen aufscheinen läßt wie Intensitätszonen auf der Karte eines Lebens, dessen wechselnde Stationen und wechselnde Zustände namenlos versunken wären, gäbe es nicht diesen Körper, in den sie eingeschrieben sind und der sie bewahrt als Kälte- und Wärmezonen, als Konzentrationen und Extensionen, Verkrampfungen und Ausstrahlungen, Licht-und Schattenseiten.

Von Handlungen zu Haltungen und von Haltungen zu Gesten lernen wir im großen Buch der Welt zu lesen. Eine Welt zu durchstreifen wir geboren sind auf einer Reise ohne Ziel. Sei es zum Denken oder Schauen, zum Nachdenken oder Hinausschauen: In jeder Richtung eröffnet sich eine Perspektive, sei es die Reise ins Innere oder die Reise im Außen, in jeder Hinsicht ermöglicht die Bilderfolge dem Betrachter Zugänge. Im Übergang, der Überfahrt, dem Werden zugeneigt, erkennen wir beim Umblättern in Bruchteilen das zarte Mädchengesicht, das dralle Lachen vom Lande, die Scham der Zaghaften, die gesichtslosen Ehehände, die affektierte Geile und die reservierte Beflissene, und am Ende SIE in ihrer Pracht und Fülle einem Rubens gleich. Goldrotes Haar am schweren Abendhimmel. Im Dämmer scheint Licht auf. Ein radikales Frauwerden auf der Klippe zwischen Fall und Sprung, vom Aschenbrödel zum Star empor.

Ingeborg Lüscher: Die Angst des Ikarus oder Hülsenfrüchte sind Schmetterlingsblütler.
Beschreibung einer Reiseerfahrung mit Wörtern, Gesten, Bildern, Farben. Vorstellung Darstellung und Ausstellung in einem.

[Arbeit mit 13 übermalten Polaroidfotos u. Texten; Aarau-Frankfurt am Main- Salzburg, Sauerländer 1982 ]

Brandung

Ausstellung von Peter Herbrich (Bildhauer), Thomas Lange (Maler) und R. v. d. Marwitz (Lyriker)
im Kutscherhaus Berlin, Mai 1983

Die Gemeinschaftsausstellung dreier Künste und der drei Künstler unter dem Thema Brandung ist nicht Resultat des Kunstmarktes, wo Künstler sich gemeinsam stark machen müssen; das Nebeneinander und Zusammen dieser Ausstellung ist Konzept. Die traditionelle Hierarchisierung zwischen Katalog-Abbildungen und Vorwort-Kommentar ist hier bewußt subvertiert. Der Text ist Bestandteil der Ausstellung, visualisiert per Vergrößerung auf Overhead-Folie als Textbild Schatten werfend. Die Inszenierung der Texte ist einnehmend, wenn nicht dominant gegenüber den anderen Medien Malerei und Bildhauerei. Die Stellen und Orte ihrer Hängung sachgemäß dort, wo der Zuschauer, en passant Worte aufschnappend, am Ende das Richtige liest.
Treppensteigend im Obergeschoß der bizarr anmutenden Ausstellungsräume, trägt der Text, der als erster ins Auge fällt, bezeichnenderweise den Titel “Dachgeschoß”, passend zum Raum sozusagen. Das “Passende”, was es auch sein mag, scheint Grundmotiv der Ausstellungsinszenierung.

Passend zum Thema Brandung, gab es zur Vernissage sauren und geräucherten Fisch. Passend dazu schillerte der Maler Thomas Lange mit seinem Anzug bücklingsfarben. Den Diener dazu hat er sich aber doch verkniffen. R. v. d. Marwitz, pomadisiert mit frischem Haarschnitt, wirkte dagegen eher aalglatt. Allein Herbrich, der Bildhauer, entpuppte sich im Verlauf des Abends als der Fisch, der auch schwimmen wollte, er ersoff vorab im Alkohol. Und obwohl die Ausstellungseröffnung buchstäblich ins Wasser fiel, blieb die Stimmung bei allen anwesenden heiter, man nahm den Regen als passend hin.

Die Bilder von Thomas Lange, die gezeigt wurden, waren sämtlich neue von 83, die frühesten unter ihnen wurden 80 in Angriff genommen. Die Titel der Bilder rundweg Meerestitel, Schilf, Woge und Welle, kennzeichnet sie der Rausch, der Drang, die Bewegungsenergie, die geronnen zu Bildern, ungeheure Wucht verraten. Sind sie wie der Berliner sagen würde “‘ne Wucht”? Eher kaum.
Da ist ein Zug, ein Sog, ein Drive, eine Motorik und Schnelligkeit, eine Energie in den Bildern, doch das Überschwappende und -schäumende wird eingedämmt durch harte Konturen. Besonders da, wo zart gleitende Farbübergänge zu sehen sind, werden sie direkt gebremst durch kontrastharte und breite schwarze Konturierungen, als könnte das Zarte, Anfang- und Ausgangspunkt, uferlos beängstigend werden.
So werden diese Partien eingedämmt und umgeben zum einen durch Konturen, zum anderen durch Farbelemente, die meist Ornamente sind, selten Thema. Innerhalb der konturierten Felder gewinnt die Farbe und mit ihr das Dargestellte Plastizität, Räumlichkeit, außerhalb wird sie platt zweidimensional Ornament, Schmuck, Zierrat. Thematische Symbiose ist nur im großen Bild in der Eingangshalle zu finden. Die Pinselbreite, die Besenbreite des Strichs, der sich quer über das Bild zieht, hat die Wellenbreite des Meeres, mit schäumend weißer Farbgischt im Bewegungsablauf verspritzt. Wellendynamisch und technisch perfekt.

Die Arbeiten des Bildhauers Peter Herbrich sind eher traditionell. Sie zeigen die in Stein erstarrte Welle, das vom Meer angeschwemmte Geäst, den Ankerhaken im Hafen, die Gullies aus der Stadt. Es ist der Erosbogen als Welle, der sich unvermeidlich aufdrängt. Schön die Zwittergestalt von Rohem und Poliertem.

Francesco Clemente Meine Eltern

Wie der Titel sagt, ist nicht nur ein Paar, Mann und Frau zu sehen, sondern auch dasjenige oder derjenige, der aus dieser Verbindung hervorgegangen ist. Auch ist der Entstehungsprozeß dieses überdimensionalen Kindwesens dargestellt. Im Zeugungsakt, recht ungewöhnlich, schiebt der Vater der Mutter den kleinen Finger ins Nasenloch. An der anderen Hand des Vaters fehlt der Mittelfinger. Diese Art Verbindung bleibt nicht folgenlos.
Es folgt eine Entbindung, entsprechend dem Zeugungsakt, eine Kopfgeburt. Wie eine Spruchblase bläht sich über dem Kopf des Elternpaares eine eiförmige Riesenblase auf, die den Bauchleib des Kindwesens bildet, angefüllt mit Totenschädeln. Der Kopf des Kindwesens, hervorgegangen aus den vielen Totenschädeln, ein leichenblasser Oberkopf mit rotgeschminkten Clownswangen und grünen Augen, etwas zwischen Embryo und Zombie. Das Olivgrün und Karminrot hervorgegangen aus Eigelb und Zartrosa des Elternpaares. Entsprechend die paar Hände und Paar Beine, die einen Olivgrün, die anderen Karminrot, mit Haken am Körper des Kindwesens angebracht.
Auch dies folgerichtige Darstellung der Sichtwelt des Kindes, für das die eigenen Gliedmaßen noch nicht dem Kopfzentrum,dem Bewegungszentrum unterstehen, die also noch nicht beherrscht werden.

Der Bildhintergrund im oberen Teil ein Teppich, das Ornamentale. Die unteren Zweidrittel in der Längsachse dreigeteilt, zeigen ein Rotbraun als Hintergrundfarbe, darauf musterartig Köpfe, während die linke Bildfläche grünbraun übermalt ist. Reste von Köpfen schimmern noch durch, von einer Kanone beschossen, bluttriefend die einen, die anderen roh, gesichtslos wie braune Eier oder Kanonenkugeln. Die Kriegsszene im Blickfeld des Vaters wird mit dem einen erhobenen Arm abgewehrt, während der andere sich zum Zeugungsakt erhoben nach hinten streckt.
Im Hintergrund, dem Hinterkopf der Mutter steht die Menge der verschiedenen Gesichter. Vater und Mutter, ihr gemeinsamer Gedanke, der Gedanke an das Kind, die Sorge um das Kind, die Leichenschädel.

Die Jahrgänge nach Kriegen sind bekanntermaßen geburtenstark. Der Farbkreis schließt sich. Vom Gelbocker des Vaters und dem Altrosa der Mutter gelanqt man in aufsteigender Linie zum Maigrün und Knallrot des Kindwesens und von dort in absteigender Linie zum Hintergrund in Weinrot und Olivgrün. Der Lebenskreis in Farben: ihr Erblühen ins Leuchtende, ihr Welken ins Dunkelbräunliche. Auch die Köpfe in ihrer Anordnung und Zahl scheinen einem Kreis zu folgen. Aus den zwei zusammengesteckten Köpfen entspringt ein Gedanke, eine Gedankenblase voller Totenschädel, der ein Embryokopf aufgeklebt ist, kahlköpfig wie die Totenschädel, blaß wie Leichen, im Hintergrund dann die Menge der Gesichter. Der Weg vom Erwachsenenalter über das Totenalter zum Kindalter.

Auch der Hintergrund eine Entwicklung: vom Teppichmuster zum figuralen Muster der Geschichte zur Zerstörung der Ordnung und der Farben durch den Krieg, dessen flächenartige Überlagerung. Ich, Francesco Clemente, das große Kind, entstanden aus der Paarung von Gelb und Rosa, beim Nasebohren, dem kleinen Finger des Vaters im Nasenloch der Mutter, entsprungen aus beider Gedanken, eine Gedankenblase voller Totenschädel, die Totgeburt einer Kopfgeburt.
Ich, Francesco Clemente, der Embryo als Zombie, habe noch Hand und Fuß, doch schon sind sie abgehackt, amputiert, paarweise an Fleischerhaken aufgehängt. Der Nährboden meiner Welt ist der naive Farbenreichtum geordneter Verhältnisse, am Boden krabbelnd fällt der erste Blick auf dis Teppichornament. Mit wachsendem Zeitalter taucht daraus die Menge der Gesichter auf, ein figurales Ornament der Masse, das einmal formiert, schon vom Krieg überlagert,bluttriefend im Chaos endet, die gesichtslose Form, vom Gras überwachsen,im Weißen der Zukunft endend. Wieder und wieder derselbe Kreislauf, wandert das Auge von den Eltern zum Kind,vom blaßgelb und rosa zum knallrot und maigrün, schließlich zum weinrot und olivgrün. Die Farben erblühen und altern, die Ordnung wird gleichgültige Menge,dann Wirre und zuletzt vom weißen der Fläche überdeckt.
Die Ordnung des Bildes, in allen Achsen durchdacht, teilt oben und unten, rechts und links durch das Mittelkreuz aus Kind und Eltern. Die Eltern bilden die untere Hälfte des Bildes, das Kind die obere Hälfte, der Hintergrund oben ein Drittel quer, symmetrisch dazu zweidrittel unten linksgeteilt in drei proportionale Drittel: rot eine Hälfte, grün zwei Drittel der anderen Hälfte, weiß das letzte Drittel der einen Hälfte.
Ich, Francesco Clemente, entstanden aus dem Akt des Krieges und dem Zeugungsakt, ich, ein Zwischenakt, ein Zombie als Embryo. Der Hintergrund meiner Kindheit, der Hintergrund meiner Leinwand, die Farbfülle und der Formenreichtum, liebevoll verwoben zum Wandteppich, Gegenstand alter Gebrauchskunst und Zierde, heute Vielfalt der Gesichte, Alter, Klassen und Rassen, die Weißen, die Schwarzen, die Gelben und Roten, in den Wirren des Krieges alle verletzt, bluttriefend, zerfetzt und zerstört, wird bleiben von meiner Leinwand das Weiße des Vergessens, das Weiß der ausdruckslosen Totenschädel, haarlos wie der Embryo, dessen Gliedmaßen, noch nicht im Gebrauch erlernt, schon amputiert am Fleischerhaken wie Ware feilgeboten werden.
Als Kind dieses Paares, das sie zu meinen Eltern macht, bin ich, Francesco Clemente, Kind meiner Eltern und unserer Zeit, ein Embryo und ein Zombie zugleich. Noch hebt der Vater den Arm schützend gegen die ersten Salven, die die Kanone namenlos abfeuert. Zugleich hebt er den Arm, ihr den kleinen Finger rücklings ins Loch der Nase zu schieben. Zwischen dem Ereignis des Krieges und dem Akt der Zeugung, ich, ein Zwischenakt, die Geburt der dritten Art. Das Gesicht der Masse ist aus allen Völkern und Rassen zusammengesetzt, aus Weißen, Schwarzen, Gelben und Roten, sehen sie alles, was auf sie zukommt, und offenen Auges wandern sie hinüber ins Lager des Krieges, das keinen Urheber mehr kennt.  Und die Augen sind die ersten, die verletzt, blutend die Leinwand verschmieren, schon heute, die Leinwand von morgen. Wie in den Teppich die Geschichten von einst verwoben sind, malt der Maler von heute die Zukunft und den Teufel an die Wand: das Schicksal des eigenen Bildes vorwegnehmend, wird es blutverschmiert sein dann. Es gibt keinen Täter, alle sind Opfer, die Kanone geht von alleine los …

Ich, Francesco Clemente, Kind meiner Eltern und unserer Zeit, eine Kopfqeburt, eine Totgeburt. “Das Loch ist nicht mehr zwischen den Beinen, Mutter, es ist im Kopf”, kräht Clemente. “Wer hat mich zum Gespenst geboren?”, mich Francesco Clemente, Kind meiner Eltern und unserer Zeit, ich, ein Zwischenakt zwischen Krieg und Zeugung, Geburt der dritten Art, kein Ganzes mehr. Zwar Füße von Muttern und Hände von Vatern, hab ich zwar Hand und Fuß und bin doch ich kein Ganzes mehr, schon amputiert von Geburt an, bloßes Anhängsel, nichts taugend, Fremdkörper, keinem Zentrum unterstellt, keiner Macht gehorchend. Die Nabelschnur, Faden, an dem neues Leben hängt, ein Fleischerhaken jetzt, schon vor der Schlacht zerhackt, zerstückt.
Ich, kein Ganzes mehr, geschminkte Maske, ein Clown voll Traurigkeit, ein Albino voll Grauen, ein Kahlkopf, ausgeschnitten, angemalt und aufgeklebt auf einen Rumpf, diesen Sack voller Totenschädel, mein Leib eine Mördergrube, ein Massengrab.
Nach den Kriegen geburtenstarke Jahrgänge und vor dem Krieg? Leichenblässe, gespensterhafte Schwächlinge. Die Welt meiner Kindheit, der Teppich auf dem ich krabbelte und der in meinem Blickfeld lag, nah am Boden, buntes Muster, farbenfroh geordnet war die Weit. Nun ist der Wandteppich, die Leinwand, der Hintergrund überdeckt von den Wirren des Krieges, blutverschmiert und wird eingehen in das Weiße der Zukunft, die alles bedeckt, aus der nur schemenhaft noch Gesichte der Erinnerung aufscheinen, eines aber wird bleiben wie das meine, als eine Signatur dessen, der gesehen hat im vorhinein und gemalt hat die Bilder der Zukunft, zu sagen welcher Geist umgeht in unserer Zeit, ich, Francesco Clemente, der Seher und Maler, der an die Wände malt die Zukunft und sie beschwört, ich, Francesco Clemente, von dem bleiben wird dieses Bild der Zeit.

Hier kommt das Gespenst, das mich gemacht hat. (H. Müller, Hamletmaschine)

Das also war Dein Vater, das also war Deine Mutter (Deleuze/Guattari, Anti-Ödi)

Ich habe alle Söhne aus guter Familie kennengelernt. Ich habe niemals zu diesem Volke gehört; ich bin niemals ein Christ gewesen … Ja, meine Augen sind Eurem Lichte verschlossen. Ich bin ein Tier, ein Neger. (Rimbaud)

ICH, FRANCESCO CLEMENTE,
DIE GROSSE AUSGEBURT,
DIE DRITTE ART

Ich, Francesco Clemente, Kind meiner Eltern und unserer Zeit, eine Kopfgeburt, eine Totgeburt. “Das Loch ist nicht mehr zwischen den Beinen, Mamma, es ist im Kopf” krähte Clemente. “Wer hat mich zum Gespenst geboren”, mich, Francesco Clemente, Kind meiner Eltern und unserer Zeit? Ich, Zwischenakt zwischen Krieg und Zeugung, Geburt der dritten Art, bin ich kein Ganzes mehr. Zwar Füße von Muttern und Hände von Vatern, hab ich noch Hand und Fuß, und bin doch kein Ganzes mehr. Schon sind sie abgehackt, amputiert, bloßes Anhängsel, nichts taugend Fremdkörper, keine Zentrum unterstellt, keiner Macht gehorchend.

Nein, “Ödipus kenne ich nicht – denn die abgetrennten Stücke bleiben an allen Ecken des historisch-gesellschaftlichen Feldes, das einem Schlachtfeld und keiner bürgerlichen Theateraufführung gleicht, kleben.”
Ich, Francesco Clemente, Kind meiner Eltern und unserer Zeit, kein Ganzes mehr, geschminkte Maske, ein Clown voll Traurigkeit, ein Albino voller Grauen, ich ein Kahlkopf, ausgeschnitten, angemalt und aufgeklebt, ohne Hals für einen Schrei. Mein Rumpf, ein Sack voller Totenschädel, mein Leib eine Mördergrube, ein Massengrab. Ich, Francesco Clemente, große Ausgeburt, entstanden, als der kleine Finger des Vaters ins kleine Nasenloch der Mutter stieg, entstanden aus der Paarung von Rosa und Gelb, entsprungen aus beider Gedanken, als eine Gedankenblase voller Totenschädel; ich, Embryo und Zombie zugleich. Mein Nabel, der die Welt bedeutet, der Faden, an dem neues Leben hängt, ein Fleischerhaken jetzt.
“Ich will eine Maschine sein, zwei Arme zu greifen, zwei Beine zu gehen, kein Schmerz, kein Gedanke …”